JOHN PAWSON. Pausa para pensar (I)

Si existe algún un arquitecto capaz de calmar y transformar mi estado de ánimo, ese sería, sin duda alguna, John Pawson. Arquitecto inglés, nacido en 1949, en Halifax (norte de Inglaterra), empezó como autodidacta y viajó en varias ocasiones por Oriente Medio, la India, Australia, Nueva York y Japón. Fue, precisamente, en este país y más concretamente en Nagoya, dónde colaboró en el estudio del diseñador Shiro Kuramata, su principal influencia profesional, diseñando objetos y mobiliario. De retorno a Inglaterra se matriculó en la AA (Architectural Association of London), y ya en el 1981 fundó su propio estudio de arquitectura.

Revisando la obra de Pawson se puede apreciar, claramente, la influencia de la arquitectura y cultura japonesa, así como los conceptos del Zen.

Desde mi punto de vista, resulta relativamente fácil reconocer un proyecto de Pawson, puesto que sus baremos y pautas arquitectónicas aparecen de forma clara en todos sus trabajos, basados en la simplicidad de volumenes y marcadas lineas, y a su vez en la complejidad de la expresión necesaria para entender el minimalismo plasmado en sus proyectos.

Simplicidad. Marcada por la austeridad de los espacios creados, sin carga de elementos innecesarios, espacios llenos de color blanco y de cálida madera, mezclados, en ocasiones, por frios mármoles y gélidas piedras.

Complejidad. Complejidad en su expresión y en el detalle constructivo, dotado de una infinidad de acotaciones lineales y volumétricas, con el fin de conseguir la máxima perfección de la obra finalizada. Basta observar cualquier plano detallado para comprobar este empecinamiento febril del arquitecto por alcanzar la meta anhelada.

Pawson consigue entrelazar ambos conceptos, antagónicos en su máxima expresión, y en una perfecta armonia conjugarlos hasta sacarse de la chistera obras tan representativas, únicas y originales como su propia vivienda en Londres (foto superior).

Según el pensamiento del propio autor, el minimalismo expresado en su arquitectura responde a la idea de dar el máximo protagonismo a la persona, de forma que elimina objetos y elementos que puedan desviar la atención y llegar a confundir esta premisa básica conceptual. La arquitectura debe amoldarse a la forma de vida del inquilino, y no a la inversa.

Creo más que recomendable revisar la obra de este arquitecto, por los motivos que he expuesto anteriormente y por muchos más, para experimentar en cada uno de sus proyectos nuevas sensaciones y experiencias visuales. Cualquiera de sus trabajos publicados nos acercará a un universo lleno de calma y paz, dónde nos permitirá tomar una pausa para pensar.

Agradezco a mi amigo Joan, que, sin darse cuenta, me ha llevado a descubrir la obra de Pawson, sintiéndome complacido por compartir gustos y pensamientos arquitectónicos. Gracias.

Un saludo,

Jordi Carner

CRISI = CANVI

Després de donar una ullada al blog d'en Joan, i llegir una de les seves darreres entrades -concretament la que fa referència a la crisi-, reflexiono sobre el que m'està passant ara mateix. En primer lloc, la propia crisi, la famosa crisi, la crisi mundial, com no. Però, en segon lloc, i encara sense saber ben bé com, una crisi més particular, més propera i gens global. Possiblement més complicada de resoldre, al menys a nivell personal, però la vida et vé com et vé, i així s'ha d'entomar.

Realment és cert que, qualsevol crisi, sigui de la índole que sigui, t'obliga a realitzar canvis sobtada i ràpidament. Canvis valents, presa de decisions sense marge de temps, caminar per terrenys fangosos, i moltes altres accions que fan que la crisi tingui un elevat grau d'emoció. També és veritat, que aquesta emoció pot esdevenir perillosa, si tot això ho ha de fer un sol -que sortosament no és el meu cas-. Per endegar nous projectes necessites el suport incondicional d'amics, companys de professió, col·laboradors, etc..., que no et deixin caure quan les coses surten del camí marcat.

Mirat d'aquesta manera, portser tampoc és tan greu el patir una crisi, o fins i tot, potser seria convenient que n'hi hagués d'altres més sovint -això sí, més curtes i suaus- perque ens obliguessin a esforçar-nos en molts aspectes que ara tenim completament oblidats.

En aquests moments no ens toca altra que fer-li front, a aquesta i a totes les que ens vinguin, i mirar endavant que, segurament, el futur serà millor que el present -o, al menys, així ho espero-.

Salutacions a tots els que estem sotmesos en plena crisi - tots menys SUPERTRAMP, of corse-.

Jordi Carner

RYÕANJI: el jardí etern

Des de ja fa uns quants anys, que em sento captivat per la cultura oriental, i, molt especialment, per la japonesa. De fet, el destí del meu viatge de noces, tenia com a primera opció la visita al Japó, pero per una sèrie de qüestions, finalment varem optar per visitar Islandia.

L'altre dia, aprofitant el meu temps de vacances estivals, vaig entrar a una llibreria, i tot donant un cop d'ull per les estanteries em va caure a les mans un llibre que parlava sobre un jardí zen. Quina casualitat !, uns dies abans, i pel Travel Channel -la televisió, de tant en tant, té alguna cosa bona-, van emetre un reportatge justament del mateix jardí : RYÕANJI.

Aquest jardí està situat a Kyoto, i data del segle XV principis del segle XVI. La seva superfície és, d'aproximadament, uns 200 m2, i la seva composició ben curiosa. Té una forma rectangular, i està compost per quinze pedres, de diferents tamanys, distribuides en grups de 2, 3 i 5. Aquestes roques descansen sobre un llit de sorra blanca que, cada matí, els monjos acondicionen delicadament, passant el rasclet i donant-li les formes més variades i originals.

Doncs bé, tan sols amb aquests elements, aquest jardí és un dels que rep més afluencia de visitants durant l'any. Clar que això té la seva explicació. Parlem d'un jardí zen. El zen és una forma de pensament, o més ben dit, una forma de pensar que genera certa forma d'actuar. El seguidor del zen cerca el seu jo profund. És cert que els materials emprats són molt simples, pero no així la seva composició, que es considera extremadament complexa.

En primer lloc, les quinze pedres estan col·locades en grups, on el grup principal i secundari, estan relacionats amb un tercer grup, sense deixar de funcionar com a un únic grup terciari.

En segon lloc, en el disseny del jardí, es va rebutjar l'aigua i la vegetació, fins aleshores elements primordials en la construccíó d'aquestes zones.

I en tercer lloc, el seu tamany és molt reduït, en comparació amb la resta de jardins que es construiren.

De totes formes, el punt més fascinant, sens dubte, és la disposició de les roques. Els seus autors varen considerar la teoria dels 5 elements primordials, ordenats pels punts cardinals :

NORD------- Aigua

SUD--------- Foc

EST----------Fusta

OEST--------Metall

i, al centre, s'hi troba la Terra. Aquesta és considerada com el N. 5, essent els numeros imparells més propers a ella, el 3 i el 7. La tríada predilecta dels japonesos és 3+5+7=15. Quinze són les pedres del jardí, posades de est a oest, segons la sèrie : 5, 2, 3, 2, 3.

Presumiblement, els autors a qui se'ls atribueix el disseny del jardí, serien Kõtaro i Hikojirõ. Es dedueix així, ja que en una de les pedres s'hi pot llegir -no sense dificultat- la inscripció dels seus noms. Aquests dos personatges eren considerats uns "parias". Bé, m'explico. Els parias eren la subclasse més baixa de la propia classe baixa, i, rarament, es podrien reconeixer com a mestres jardiners. En aquest cas, va ser el sogun Ashikaga Yoshimasa, refinat esteta i mecenes il·lustrat, qui els va proclamar com a tals, tot i que la proclama no els va arribar fins als 72 anys -santa paciència-.

Ara doncs, tan sols em queda esperar i aprofitar la primera ocasió que se'm presenti per poder visitar personalment aquest meravellós lloc, i la resta del país, que de ben segur, em sorprendrà gratament.

Mentrestant, em faré el propòsit de reproduir aquest jardí, en una minúscula jardinera de casa meva, tot seguint la dita de Musõ Soseki, Mestre jardiner, que diu :

" Originariament, no hi ha estat de grandesa o de petitesa a totes les coses de l'univers; gran i petit estan a l'esperit de l'home. Només són apariencies il·lusories que floten als cors enganyats."

Salutacions,

Jordi Carner

UN DIA DE AGOSTO

Vilafortuny (Cambrils). Dos de la madrugada. El calor es sofocante. Maldito agosto. Con las ventanas abiertas de par en par, y aún no consigo que circule una pizca de brisa marina. Me instalo en la terraza para contar estrellas y encontrar algo de fresco. Cuento, pero el silencioso vuelo de un avión me despista. Prosigo el recuento. Al cabo de una hora intento conciliar el sueño. Por fin !!

Diez de la mañana. Medio despierto, oigo el correteo de los niños por casa. Estan nerviosos y hambrientos. Desayunamos la familia al completo. Una vez repuestas las energías, y como encargado del suministro de la prensa diaria y demás revistas, me dirijo al quiosco de un viejo conocido.

-¿Qué?, de vacaciones -me interroga.

-Pues sí. Hasta finales de mes, seguramente -respondo educadamente.

-Pues, nada hombre. Ya ves, aquí falta gente -jocoso él.

-Ya veo, ya...-asiento con la cabeza.

-Hasta mañana -se despide.

-Adiós -me despido.

Doce y media del mediodía. Se empiezan a mover los hilos en la cocina. Hoy tenemos invitados. Habrá que esmerarse. Después del rotundo éxito en la mesa, llega el merecido premio de la siesta -necesaria para reponer fuerzas-.

Siete y media de la tarde. Quedamos con unos amigos para pasear por el puerto. Gente, gente y más gente. ¿Dónde está la crisis? -me pregunto-. Conseguimos reservar mesa para ocho en un restaurante, con cierta dificultad. Los niños siguen jugando, mostrando una fuerza vital digna de los superhéroes de los cómics.

Doce de la madrugada. Todos en casa. Los pequeños, extenuados, duermen plácidamente, a pesar del calor. Los mayores, vuelta a empezar.

A todo ésto, me viene a la memoria un tema del grupo de rock catalán ELS PETS, titulado "Agost", cuyo estribillo dice así : "...Que arribi l'agost, feixuc i mandrós, que ens fa recordar la bellesa del temps que passa a poc a poc..."

Feliz verano !!!

Jordi Carner

UNA CUESTIÓN DE CONFIANZA

De todos y por todos es conocida la polular frase que reza : "La confianza da asco". ¿Y quién, en algún momento de su vida, no se la ha aplicado?. Pues bién, como en otras ocasiones, ahora me ha tocado a mí.
Nuestro despacho profesional cuenta con colaboradores externos, como asesores jurídicos, consultores fiscales, y con asesores de imagen corporativa y publicidad. Precisamente, éstos últimos serian los protagonistas de este efímero capítulo en mi vida laboral.
Unos tipos listos, sí señor. Y trabajadores, también, pero escurridizos como el más hábil de los salmónidos. (...) Hola !!! (...) Eooo!!! ¿hay alguien ahí? Nada, todo sigue igual. Esperaremos alguna respuesta -sin tiempo límite- que albergue un hilo de esperanza.
Esperaremos ese ACROBAT mientras facturamos manualmente; esperaremos ese organigrama mientras busco mi lugar en la empresa; esperaremos esa firma electrónica mientras envío los mails con mis huellas dactilares; en fin, seguiremos a la espera sin perder nuestra ilusión.
Eso sí, como casi todo en esta vida tiene solución -y sino se busca-, deberiamos exigir una grata recompensa a base de una opípara cena, propia de los amantes del buen yantar y del mejor libar.
Así que, espero que se tome nota y se ponga cartas en el asunto.
Un abrazo muy fuerte para mis amiguetes !!!

Jordi Carner

JACKSON POLLOCK y el "drip-painting"

Sigue siendo unos de mis artistas favoritos, en cuanto a pintura se refiere. Cuando, muy de vez en cuando, me apetece dar rienda suelta a mi presunta creatividad, cojo una tela, e intento poner en práctica la técnica del "drip-painting". El resultado final -en ocasiones dudoso- es el que es, sin llegar a ser, a veces, el deseado. Y es que no es tan sencillo como parece. Pollock tuvo que defenderse, a capa y espada, de algún crítico de arte que argumentaba que sus obras (las creadas con esta técnica) no eran más que meras explosiones accidentales y carentes de significación, simple resultado de mostrar su energía sin ningún tipo de control. También comentaron que eran cuadros caóticos e infinitos, con lo que el artista podía estar pintando el lienzo eternamente. El autor, en una ocasión, en 1950 y como respuesta a un articulo anónimo publicado en el Times, envió un telegrama al editor en el que se podía leer : "MUY SEÑOR MÍO : NADA DE CAOS. CUADROS RECARGADOS, COMO PUEDE VERSE (...)".

Ésta técnica, que se denominó "drip-painting" consistía en aplicar el color mediante espátulas o palos, sin tocar jamás el lienzo, mientras que la mano izquierda sostenía el bote de pintura, tal y como se puede apreciar en la foto superior. Pollock salpicaba o dejaba chorrear el color una y otra vez sobre la superfície horizontal, apoyada en el suelo, y de esta forma prescindía de preocupaciones, se movía libremente por los cuatro costados, y tomaba conocimiento de lo que estaba haciendo, sin ningún temor a cambios y destrucción de imagen. El cuadro tiene vida propia, decía, y, de esta forma, salía por sí mismo.

Utilizó diversas técnicas y materiales. El barniz, óleo, tinta, etc. fueron algunos de esos elementos. En algunos cuadros se llega a apreciar una brusca interrupción de líneas y trazados, sobre todo en su parte posterior,demostrándose así, que Pollock cortaba el lienzo a posteriori, eligiendo el encuadre y el formato perfecto del mismo.

En esta fase de su vida, en la que surgieron las obras más importantes, Pollock era completamente abstemio -durante casi toda su vida tuvo problemas con el alcohol- no sin ayuda médica y farmacológica, con lo que se demuestra que su pintura, que por aquel entonces cuestionaba el concepto tradicional, no era producto de los delirios de un alcoholico. Tres días antes de su cuarta exposición en la galería de Betty Parson, el 28 de noviembre de 1950, se filmaron las últimas imágenes del reportage gráfico, cuyo autor, el fotógrafo Hans Namuth, ya ultimaba los detalles. Esa misma noche, la pequeña fiesta que se debía celebrar acabó en catástrofe. Pollock empezó a beber sin parar, dirigiéndose continuamente a Namuth y susurrándole : "I'm not a phony" (no soy ningún farsante). Ante el asombro de los invitados, el artista acabó por volcar la mesa de los aperitivos. Este suceso marcó el último punto de inflexión del pintor, que hasta el final de su vida, continuó sumido en el alcohol y con la creatividad mermada por completo.

Posteriormente, Pollock, volvería, de nuevo, a pintar sobre caballete, abandonando parcialmente la técnica hasta ahora utilizada. Así, uno de los cuadros a considerar sería The Deep (1953), en el que utilizó óleo y barniz sobre lienzo, calificándose como único en la obra de Pollock.

Es dificil encontrar un significado exacto en sus obras, y él, consciente de ello, afirmaba : " Naturalmente, el resultado es la cosa; carece de importancia, por tanto, cómo se haya realizado el cuadro siempre que éste exprese algo. La técnica no es más que el medio para llegar a un estado".

The Deep, 1953
220,4x150,2cm
Musée National d'Art Moderne
Georges Pompidou
París

Un saludo,

Jordi Carner

MARCEL BREUER II "Sol y sombra"

Hablé, escuetamente, de Breuer en una entrada anterior, proponiéndome hacerlo más adelante, quizás, de forma más generosa. Pues bien, me he decidido, pero como no estoy del todo seguro de mi generosidad, será mejor ir haciendo pequeños comentarios, aunque eso sí, con más asiduidad.

Tiempo atrás compré una revista de la editorial Gustavo Gili, concretamente la N.17, en la que se expone-con copiosa documentación, tanto gráfica como escrita-la obra de Marcel Breuer en América, y para ser más exactos, la referente a "sus" casas americanas -"cottage"-.

Al final de la revista aparecen unos escritos de varios autores, y entre ellos uno del propio Breuer. En él habla de la capacidad de unificar ideas contrapuestas, de un punto de vista con su contrario. Para ello, utiliza las palabras: "sol y sombra". Con esta frase -según él, extraida de los cosos taurinos españoles- da a entender que el camino más fácil entre el blanco y el negro es el gris, aunque éste no sea satisfactorio. De alguna forma, el sol no puede diluirse en la sombra, y ambas cosas deben tener presencia propia.

En otro comentario que realiza en un párrafo posterior de su articulo, establece una relación directa y múltiple entre :

Edificios públicos de la Antigua Grecia = expresión de su interior hacia su exterior = sol

Viviendas de la Antigua Grecia = expresión de su exterior hacia su interior = sombra

Recientemente he publicado, en este mismo blog, una entrada comentando la filosofía y el pensamiento arquitectónico de Tadao Ando, y podriamos estar hablando de una cierta similitud entre las casas de la Antigua Grecia y las casas japonesas. Y no soy yo quien lo dice, sino es el propio Ando, que en uno de sus múltilples viajes por Europa, reconoce la influencia de la arquitectura griega en sus proyectos. Quizás, para mí, el proyecto de Ando que expresa con mayor exactitud este "sol y sombra", es la casa que diseño en su barrio natal de Osaka. Breuer explica que las casas griegas estaban formadas por fachadas ciegas, con tan solo la puerta de entrada y que éstas estaban proyectadas hacia un patio interior dónde se desarrollaba la vida cotidiana, exactamente igual que la vivienda proyectada por Ando.

Breuer pone de manifiesto los materiales que él utiliza, gracias a los adelantos técnicos de la época, como el vidrio, permitiéndole jugar con las transparencias. Igualmente, siguiendo su línea de "sol y sombra", constata que la transparencia se hace más transparente cuando está junto a algo opaco, y esa opacidad logra que ésta sea eficaz.

Acabo con una frase de Breuer, a mi entender muy acertada:

"La búsqueda de una respuesta clara y firme que satisfaga necesidades y propósitos opuestos es lo que saca a la arquitectura del reino de la abstracción y le da vida, y arte".

Un saludo,

Jordi Carner